La pittura di Barbara Pietrasanta ha caratteristiche figurativamente nitide e precise, ma propone una visione della realtà carica di valenze esistenziali e psicologiche di affascinante complessità, da una prospettiva femminile molto accentuata. Nella sua
ricerca l’artista mette in gioco tutti i principali temi fondamentali legati al senso profondo della vita, dei rapporti fra donne e uomini, e in particolare alla inquietante problematica dell’identità individuale. Due dipinti possono esemplificare molto bene il modo con cui Pietrasanta ha affrontato queste questioni. Il primo, intitolato « Il gioco della vita » ci mostra dall’alto il tavolo di un biliardo dove vediamo una mano con una stecca che sta colpendo una biglia, un’altra mano che sta gettando sul tappeto verde dei dadi, e in basso il busto piegato di donna nuda vista da dietro che appoggia sul tavolo il suo volto. Non c’è bisogno di spiegare il senso di fondo di questa composizione che pur avendo forti connotazioni simboliche si impone visivamente per la sua forza espressiva. L’altra opera, tra le più recenti, è un un insieme di sedici piccole tele unite insieme a formare un polittico unitario. Qui vediamo i volti di una donna e di un uomo, con espressioni tese e inquiete. Un barattolo di vernice rossa separa i due volti. Nelle altre tele compaiono solo delle parole in inglese anche sovrapposte: « why », « who », « when », « they ». Anche qui la questione che viene posta è chiara, ma non non ci sono risposte certe. In alcuni altri dipinti la figura femminile è la sola protagonista. E’ il caso di « Petrolio » in cui un nudo (che ricorda la Venere di Botticelli, ma con i capelli neri) e’ immersa nell’acqua limpida che sta per essere contaminata da una colata di petrolio. E anche di « Ovulation », un chiaro omaggio alla mitologia indiana, dove il nudo femminile inginocchiato ha molte braccia e con le varie mani tiene delle uova, simboli di fecondità e vita.

Barbara Pietrasanta’s figurative style is clearer and precise, but her paintings suggest a vision of reality that is loaded with fascinatingly complex existential and psychological meaning, seen from a markedly female perspective. In her pictorial research the
artist brings into play all the main themes linked to a profound sense of life, of the relationship between men and women and in particular of the perplexing question of individual identity. Two paintings clearly exemplify the way in which Pietrasanta has dealt
with these questions. The first, entitled ‘Il gioco della vita’ (the game of life), looks down on a billiard table, where one hand is seen hitting a ball with a cue, another hand is throwing the dice on the table and at the bottom we see from behind the head and bare
shoulders of a woman who is leaning forward and resting her head on the table. The underlying meaning of this work has no need of explanation and yet the symbolic connotations do not detract from the expressive force of the work. The other work is one of the most recent and is a group of sixteen small canvasses making up a polyptych. We see the faces of a man and a woman, with tense and worried expressions. A tin of red paint separates the two faces. Only the words in English: ‘why’, ‘who’, ‘when’, ’they’ appear, sometimes superimposed, on the other panels. Here, too, the question asked is
clear, but there are no certain answers. In some other paintings, the female figure is the only protagonist. In ‘Petrolio’ (Oil), a nude figure (reminiscent of Botticelli’s Venus but with black hair) stands in the clear water that is about to be contaminated with oil. In
‘Ovulation’, in clear homage to Indian mythology, the kneeling female nude has many arms and her many hands hold eggs, symbols of fertility and life.

Che cos'altro c'è da aggiungere al tragico elenco di eccessi da tutti vissuti negli anni appena trascorsi? Forse nient'altro. Abbiamo consumato tutto il consumabile con una furia da antropofagi: con troppa irruenza e con scarsa progettualità abbiamo abbattuti i "muri". Con sospetta frettolosità abbiamo liquidato le ideologie. Con irriducibile determinazione abbiamo divelto ogni ancoraggio con la storia, e la pittura, esaurito l'ottimismo sfacciato del mercato, non è più la grande coscienza del mondo. Solo per pochi coraggiosi continua ad essere una pratica estrema. Per quei pochi infatti che non hanno più voglia di nascondersi dietro bellurie, falsi miti, vuote provocazioni, sfrontatezze senza eroismi. I gesti esemplari di chi ha messo a repentaglio la propria esistenza, vivendo passioni e tensioni senza ritorno, sono stati equivocati dai più o reinterpretati come brani di una rappresentazione vuota e accademica. Le lacrime, il sangue e lo sperma troppi li hanno acquistati già liofilizzati e consumati nel fast food della banalità quotidiana. E così le luci si sono spente su un palcoscenico da triste avanspettacolo... Anche le mille luci di New York sono un fioco lumicino che getta ombre sinistre su una tragica solitudine. Barbara Pietrasanta di tutto questo è stata testimone, lo ha sentito sulla sua pelle, lo ha catturato con i suoi occhi voraci. Ma senza cadere in trappola, senza diventarne vittima. Con lucida determinazione, ha messo ordine nelle sue passioni, sezionando come su un tavolo di una morgue i cadaveri delle vittime del suo tempo, i misteri di un eros che non chiede più travestimenti edonistici per far esplodere le contraddizioni, per scompaginare le regole di ipocrite e perbenistiche perversioni. Nelle sue tele i gesti sono calcinati come quelli di un fregio ellenistico, i corpi sono ridotti a brandelli dalla luce gelida di un flash: vivono nel buio e solo per un attimo si rivelano nella loro dimensione visionaria. Con una pittura netta, che non induge a calligrafismi iperealistici, Barbara Pietrasanta mette in atto un gioco costante di spiazzamenti, di situazioni e di significati, di scambi di ruoli tra l'Artista che dipinge e il soggetto rappresentato, in cui solo la pittura è in una posizione di forza. Tutto il resto è messo in discussione. Barbara Pietrasanta forse, ha scelto la strada più difficile, forse la più vulnerabile. Ma l'unica lungo la quale è impossibile barare.

“La pittura è cosa mentale”. L’aforisma leonardesco affiora allo spirito davanti alle immagini algide e fosforescenti che si stagliano sulla superficie dei quadri, irreali o più che reali, epifanie di un vissuto intenso. Assertive come esplosioni esistenziali, confrontano proterve chi guarda. Una luce fredda ed artificiale nega ogni parvenza di partecipazione affettiva, batte su membra spezzate, su corpi nudi. Luci algide al neon cavano ombre nette e studiate, fissano la chiara articolazione anatomica; piedi nervosi, magri, vene in rilievo, intrecci di membra, scorci insoliti, di spalle, di fianco, inserzioni materiche, lettering tipografico, combine painting. Si sentono prepotenti i richiami a certa arte americana, a Philip Pearlstein, classe 1924, per un periodo amico e sodale di Warhol, ed anche dell’ineludibile Katz, e per similitudine di tecnica alle “nature morte generazionali” volutamente prive di pathos e scavo psicologico del giovane Castelli, (del gruppo della cosiddetta post-avanguardia) così strettamente apparentate alle icone pubblicitarie, ed a prima vista ai volti assenti, ai corpi statici di Pietrasanta. Nella migliore tradizione di Picabia ed Afro e Schifano, non è un caso che anche Barbara, abbia avuto il suo battesimo americano, l’incontro ravvicinato con una società centrata sui pervasivi meccanismi dei media: ed è utilizzandone le tecniche che rompe con la soggezione all’universo digitalizzato, rende conto di una dimensione dell’anima modificata dalla memoria e dagli stati interiori della coscienza. L’autobiografia è la cifra naturale di Barbara. In lei tutto si svolge “nel tondo riflettente di uno specchio, nelle pagine di un diario” per via di simboli e trasfigurazioni, ed il percorso sembra circolare (“ogni autentico artista è splendidamente monotono”), i temi e le forme si rincorrono e tornano e si moltiplicano, si sdoppiano poi in soluzioni che ci sorprendono per la ricca novità della composizione, dell’intreccio, di un inaspettato materico, di un intenerimento di sfumati pastelli dedicati alla figlia. Pietrasanta scrive, racconta, “spalanca finestre sulla frenesia della vita”, strumentalizza i tratti del proprio volto, del proprio corpo, prestandoli a metafore della cronaca. Tuffatrice luminosa in bilico sull’orlo di una misteriosa Atlantide sommersa (il pianeta donna?), fiancheggiata da strisce di buio, la protagonista del sogno è ritagliata alla tenebra da un unico nitido tratto, e duplicata di fronte e di retro (Atlantide). Barbara focalizza sul corpo: inquadrato in schermi simil-televisivi, riprodotto in ritratti/poster da stile di strada, accompagnato sulla tela da materiali consistenti che ne sporgono, escono dal bidimensionale, sforano nello spazio. Anche il confronto con la realtà, con l’attualità, filtra dal suo proprio inconfondibile immaginario, di nuovo il corpo è il luogo attraverso cui passa la rielaborazione delle catastrofi epocali (le gemelle di “11 settembre”; l’annientamento progressivo dell’ambiente, inquinato nella risorsa più preziosa in “Petrolio”), delle private ossessioni (la farfalla trafitta del mostruoso condominio), del “doppio” androgino che rovescia in opposizione ostile, lumeggiata di riflessi lividi, spettrali, la dialettica uomo-donna, individuo-società, natura-cultura, situazione-valore. (l’uomo incinto di “Gestazione”, le ridotte figure maschili, supplichevoli e marginalizzate di “Il collezionista” e di “Il salto”, la cupa corazza di pelle nel cielo buio di “Separazione”, gli acquarelli sospesi de “La bella estate”, le dubbiose identità di “Leslie and me”). La pittura torna prepotentemente in scena, si pone come linguaggio principale di contaminazioni ed assemblaggio; il ritorno al figurativo- Un figurativo algido che non ha niente a che vedere con la pittura evocativa, con l’aura e la patina, vicino piuttosto alla Pop Art anni 60/70, ed alla cartellonistica pubblicitaria- si riveste illusoriamente di un’apparenza di infinita riproducibilità. L’impeccabilità formale poggia su un rovente sostrato di emozioni, di memoria, di sogno e di passioni, che si fanno espressione, poesia e canto: un linguaggio in sintonia con il presente, uno strumento per dire il nostro tempo.